Nacho Vegas lo cambia todo

Cuando Nacho Vegas sube a un escenario siempre cambia algo. Cuando lo hace en Montevideo, por primera vez, cambia todo.


Cambia el uruguayo que apenas le conocía y que se asombra de la fuerza de su directo. Cambia la uruguaya que escucha sus letras como si no existiesen los más de 200 asistentes presentes ayer en La Trastienda. Cambia el asturiano de la diáspora que grita Puxa Asturies, cuando Nacho le responde “Puxa”. Y sobre todo cambia la perspectiva: la música nos gustaba por esto, por un tipo que sube al escenario a dejarse el alma con una banda repleta de artistas. Porque Nacho es grande, no hay duda. Pero quienes lo acompañan, del gran Abraham Boba al teclado, a Manu Molina en la percusión, pasando por Joseba Irazoki y Luis Rodríguez rasgando las cuerdas, merecen una mención destacada.

El show recorrió toda la trayectoria nachovegasianaClásicos para abrir (“Nuevos planes, idénticas estrategias” y “Gang-bang) y para cerrar la noche (“El hombre que casi conoció a Michi Panero”); temas del Manifiesto desastre (“Dry Martini SA”), de la Zona sucia (“Perplejidad”, “La gran broma final”, la asturianísima y emotiva “Tabernos”), de su disco con Cristina Rosenvinge (“Me he perdido”) y, por supuesto, del último álbum, Resituación, (“Adolfo Suicide”, la antifascista “Polvorado”, la catártica “Ciudad vampira“). Se escucharon incluso las peticiones del público, con “Luz de agosto en Gijón” para abrir el obligado encore. Y, para los fanáticos del orden y la claridad, sonaron, en definitiva, todas estas:

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Era difícil no estar conforme con el repertorio. Y a elevar el grado de satisfacción general contribuyeron también los notables Molina y Los Cósmicos. Primero como teloneros y después acompañando a Nacho en La gran broma final. El público supo apreciar y agradecer el despliegue del gijonés y la impecable noche de música. Nacho Vegas volvió a hacerlo: lo cambió todo.

N.W.A en una sola playlist

Este miércoles se estrenará la película más esperada del año, por lo menos en Francia, N.W.A – Straight Outta Compton. 


Esta joya visual y auditiva orquestada por F. Gary Gray relata la historia del famoso grupo de gangsta rap de los finales de los 80’s, N.W.A. La raposfera francesa tiene muchas ganas por descubrir la historia de Ice Cube, MC Ren, Eazy E, DJ Yella y a Dr. Dre en pantalla. La salas huelen ya a las afueras de Los Ángeles y los gangstas se preparan para vivir un momento de historia.

Para esperar el estreno y empezar a mover la cabeza los chicos del crew, NOw FUTUR, especialistas en samples, han trabajado como hormigas para identificar, mezclar y  resucitar las muestras utilizadas por N.W.A .

Faltan dos días y Vagón estará en las salas oscuras para no perderse nada de este fenómeno.

Play it & Stay tuned!

Los Planetas, Pearl Jam, Beastie Boys… La lista de música de Joaquín Reyes en Rockfm

La semana pasada, Joaquín Reyes visitaba el programa La colección RockFM de… y allí presentaba algunos temas que, además, suele pinchar cuando trabaja de dj.


Gene Vincent, Beastie Boys, Pearl Jam, Rage Against the Machine… La semana pasada íbamos en el coche y Rock.fm nos dio una sorpresa: Joaquín Reyes estaba en el estudio y traía bajo el brazo la banda sonora de su vida, las canciones que le han acompañado desde siempre.

Reconoce que se ha dejado injustamente grupos por el camino, pero, como se suele decir, aunque no son están los que son, si son todos los que están. Son buenos temas, pero no te pierdas cómo Reyes narra anécdotas entre canción y canción de su playlist aquí.

Los maestros del rap en un solo freestyle

Para suavizar la vuelta a la normalidad después de un verano en decadencia nada mejor que un vídeo antológico.  Este “footage“, como dicen nuestros amigos americanos, es una pieza del último programa de televisión The Arsenio Hall Show de los años 90.


En 1994, el programa se canceló y su Alteza Serenísima, Queen Latifah -muy amiga del presentador-,  le había preguntado si podía organizar una parte del programa de clausura: un homenaje al trabajo que el show había hecho para inculcar lo que era la cultura hip hop, consolidar la comunidad e impulsar nuevas iniciativas urbanas.

Latifah logró reunir a una miríada de MC’s , algunos textos son freestyles, otros son clásicos del rap, pero lo que provoca la histeria general es el cóctel de artistas presentes en el escenario: Yo-Yo, MC Lyte, Naughty by Nature, A Tribe Called Quest, Fu-Schnickens, CL Smooth, Guru  de Gang Starr, Das EFX, GZA y el Wu-Tang Clan, KRS-One y Mad Lion.

‘Hidden treasures’, el álbum que nos dejó Amy Winehouse

Su guardaespaldas la encontró en su habitación de hotel rodeada de botellas de alcohol vacías, ni siquiera había vasos. Superó la tasa de alcohol límite que hizo que la parte del cerebro que regula la respiración dejase de funcionar. Pero no era una suicida, tenía proyectos, dijo la doctora Cristina Romete, quien vigilaba la salud de Amy.

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Lanzamiento: 05-12-2011
Género: 
R&B, Soul, Jazz
País: 
Inglaterra
Discografía: 
Universal

Y este disco, Lioness: Hidden Treasures, fue lo que nos dejó. Es un testimonio, como una foto vieja que se guarda en un álbum de fotos familiar más por cariño que por su valor. Se puede decir que Amy grabó dos discos, ‘Hidden Treasures’ es una recopilación de grabaciones en las que estaba trabajando. No es un cuadro en un museo, es el boceto de una artista en una servilleta.

Hidden Treasures no es un cuadro en un museo, es el boceto de una artista en una servilleta. Una recopilación de grabaciones en las que estaba trabajando.

Hay soul, hay jazz, hay r&b, hay ska. Todo interpretado con la despreocupación juguetona de quien se sabía inmortal en el estudio de grabación”, dice la crítica de Rolling Stone. Y añade: “Es un álbum lleno de retales que suena agradable, sin más”. Quizá sí, quizá solo debamos escucharlo como un recuerdo. Aquí un vídeo documental sobre el making of en el estudio.

httpv://youtu.be/uURz0j9e9Vo

Doce canciones entre los que se encuentran temas inéditos, colaboraciones con otros artistas como el rapero Nas o el legendario Tony Bennett y versiones de canciones de los 70. Veamos la historia que esconde cada una de ellas.

1. Our day will come (escuchar: )
Tema que nos muestra a una Amy enamorada y positiva: “Lo tenemos todo: yo te quiero y tú a mí. Piensa en amor y viste una sonrisa. Nuestro día llegará”. Recuerda mucho al tema ‘Some Unholy War’, del álbum anterior Back to Black.

2. Between The Cheats (escuchar: )
Desde el principio Amy ha mostrado un gran respeto y una enorme admiración por la música soul y sus artistas del pasado. Este es un gran ejemplo: en este ‘Between The Cheats’, recuerda a Barbara Lewis y su tema Baby I’m Yours.

3. Tears Dry (escuchar: )
‘Tears Dry on their Own’ (Mis lágrimas se secan solas): así tituló su canción en el disco pasado. ‘Tears Dry’ es sólo una de las primeras versiones de este tema. La importancia de las letras autobiográficas en todos sus álbumes son indiscutibles, aquí nos llega una Amy rota por una separación amorosa. Una relación en la que, supuestamente, no había responsabilidades: Una vez estuvo bien, esperando por ti en el hotel de noche. Sabía que no había encontrado a mi pareja, pero cada momento que podíamos lo robábamos, no sé porqué estuve tan comprometida. Pero es mi responsabilidad, tú no me debes nada.

httpv://www.youtube.com/watch?v=1ykeiUokVaQ

4. Will You Still Love Me Tomorrow? (escuchar: )
Hoy eres mío totalmente pero, ¿me amarás mañana?, pregunta en esta canción. Está claro que la duda en el amor siempre le ha acompañado como si fuera su sombra. Vivió por Blacke, su marido -y ex marido más tarde- y le esperó, aun estando en prisión y en continuos coqueteos con drogas e intentos de suicidio.

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5. Like Smoke (escuchar: )
En esta ocasión, Winehouse presentá una colaboración con Nas (calificado como uno de los mejores raperos americanos del momento). Nas dijo tras su muerte: “Era una persona auténtica, real. Albergaba un gran espíritu en su pequeño cuerpo. Era como una hermana para mí, una hermana pequeña. Que Dios la bendiga”. La canción se grabó en 2008, por deseos de Amy, quien admiraba al rapero y le confesó que Me and Mr. Jones -canción del anterior disco- está inspirada en él.

httpv://www.youtube.com/watch?v=PLuf3VsrO4g&feature=related

6. The Girl From Ipanema (escuchar: )
Es una canción de bossa nova compuesta en 1962, con letra deVinícius de Moraes y música de Antonio Carlos Jobim, originalmente bajo el nombre de “Menina que passa” y pensada para una comedia musical titulada Dirigível. Otra de esas versiones que presenta Hidden Treasures.

7. Half Time (escuchar: )
Una auténtica reflexión sobre lo que significa para ella la música -también la suya-. “Cuando canta Frank Sinatra, es demasiado para soportarlo. Y aunque lo que yo canto no es así, apacigua mi dolor”. Y añade: “Hacer música es un don. Pero lo mejor de todo: me proporciona felicidad”.

“Hacer música es un don. Pero lo mejor de todo: me proporciona felicidad”

8. Wake up Alone (escuchar: )
Una versión acústica de su ya clásico Wake up Alone de su anterior disco.

Estoy bien durante el día, me mantengo ocupada,
lo suficiente como para no estar preguntándome dónde estará él,
tan cansada de llorar
Su cara en mis sueños,revolviéndome las entrañas,
Él me llena de pavor, la luna derramándose,
y me despierto sola

httpv://www.youtube.com/watch?v=8F7TPsi4PVg

9. Best Friends, Right? (escuchar:  )
Sólo nos hablamos para discutir, pero somos los mejores amigos, ¿verdad? Una canción que trata la amistad, los continuos reproches que ella conlleva, pero también habla sobre la continua necesidad de saber que los amigos seguirán ahí pase lo que pase.

10. Body and Soul (escuchar: )
La canción favorita del padre de Amy, ahora cantada por su hija y en colaboración de Tony Bennett. Podemos apreciar ya la voz de Amy bastante estropeada. Aquí el vídeo musical, donde se intercalan entrevistas a los dos cantantes durante la grabación.

httpv://www.youtube.com/watch?v=F9BZLTuYMXI

11. A song for You (escuchar: )
Es una canción escrita por Leon Russell que Amy grabó en su propia casa, en 2009.

He cantado un montón de canciones y he hecho algunas rimas malas.
He demostrado mi amor en el escenario con diez mil personas mirando,
pero ahora estamos solos y estoy cantando esta canción para ti.

12. Valerie (escuchar: )
He dejado esta canción para el final, para poder concluir con una de las mejores cosas que hace Amy: las versiones de temas del pasado, sobre todo de los años 70 y 80. En este disco aparece ‘Valerie’, pero a continuación se puede escuchar una recopilación de las mejores:

httpv://www.youtube.com/watch?v=namFjcOgHSE

httpv://www.youtube.com/watch?v=G1g1tzheH1Q

httpv://www.youtube.com/watch?v=-lEgNyJQ2is

httpv://www.youtube.com/watch?v=oMbawMlZtn8

httpv://www.youtube.com/watch?v=4ekGEb9-MTg

Amy tenía razón, “hacer música es un don”. Ella lo tenía, pero burló a la muerte y se rió de ella demasiadas veces, hasta el día que olvidó que en ese juego también se pierde. O quizá jamás pensó que la vida iba en serio. La última vez que estuvo con su madre, bebieron té y ojearon fotos familiares: “Cuando me fui, me abrazó y me dijo: Mamá, te quiero”.

Ellas también saben (IV): las chicas del funk

¿Dónde están las chicas funk? Tenemos chicas pop, tenemos chicas rock, tenemos chicas punk, tenemos chicas grunge,… pero no tenemos… ¡Que te estoy preguntando: dónde están las chicas funk! Gritaban los funkadictos en su disco “El poder curativo del funk”. Respuesta: aquí mismo

Te presentamos a continuación una muestra de las mejores divas funky. Como siempre, es una lista recopilatoria y colaborativa, así que si notas alguna ausencia, tienes los comentarios abiertos para cualquier sugerencia. Bueno, y aunque nos encanta Chaka Khan y encabeza esta lista, no es la única. Allá vamos.

1
Chaka Khan
Mano a mano con el bajista Melvin Davis, Chaka ha dado algunos de los hits más famosos del funk. Comenzó en los años 70 al frente de su grupo Rufus, aunque realmente el grupo pasó a la fama posteriormente por haber impulsado a su cantante.


2
Betty Davis
Americana. Hoy, 67 años. En los 60’s, un bombón de 20 años al que Miles Davis no pudo dejar en el camino. Se casaron y duraron un año. Dicen que por su actitud excesivamente sexual, algunos grupos religiosos vetaron su música e incluso tampoco sonó en las radios de la época.

3
Gwen Stefani
Digamos, mejor, una joven Gwen Stefani, cuando lideraba No Doubt y todavía daba sus primeros coletazos. Escuchad, si no, su disco que lleva el mismo nombre del grupo, “No Doubt”. La música que compusieron a finales de los 80 estuvo profundamente influenciada por el ska y por los estilos reggae jamaiquinos, incluso llegaron a actuar en múltiples ocasiones con artistas como Lady Saw.

4
The Staple Singers
Comenzaron cantando en los coros de las iglesias de todo Chicago, hasta que una discográfica las contrató y su gospel se volvió mucho más funky. El grupo lo montó Pops Staples, el padre de familia que decidió reunir a sus hijas -Cleotha, Pervis, Yvonne y Mavis- para hacer lo que mejor sabían: música.

5
Vicki Anderson
Una de las encargadas de llevar el mundo del funk al ámbito femenino. Al frente de The James Brown Revue reclutó a más de 20 mujeres músicos, que después hicieron su carrera en solitario.


6
The Brides of Funkenstein
Recogidas directamente de las voces femeninas del coro de Parliament, fueron bautizadas como las novias de Funkenstein. El álbum debut, Funk o Walk, fue un gran éxito, vendiendo más de 300.000 copias en su primera semana de lanzamiento.

 7
Patti Labelle
Aunque su mayor éxito comercial y por lo que es más conocida es la famosa canción Lady Marmalade, versionada millones de veces por artistas como Christina Aguilera, Pink, y demás, Patti Labelle hizo sus primeras apariciones con el género del funk. Cuenta ya con más de 30 álbumes grabados y publicados (con distintas bandas).

Ciudad vampira: de Gijón a México

Alimerka, Duro Felguera, la Avenida Schulz o del estadio El Molinón. Con esos elementos, Nacho Vegas dejó claro que “Ciudad vampira”, incluida en su brillante último disco (Resituación) hace referencia a su ciudad, Gijón.


La canción, una adaptación del tema Devil Town de Daniel Johnston, alude a una lugar “triste”, pide el cambio y contiene afirmaciones que solo alguien que conoce bien su ciudad puede escribir. Expresa un sentimiento de alguien como yo que quiere mucho a Gijón pero que ve que la ciudad está deprimida. Lo que pide la canción es una convulsión que haga que la ciudad renazca”, explicaba Vegas en la revista Rolling Stone.

“Disfruto mucho de la ciudad -contaba en otra entrevista-. La adoro. Pero la veo maltratada, como casi toda Asturias, que es una zona muy maltratada. La reconversión industrial y los años 90 en general llegaron a desmontar las protestas obreras. Se empezó a ver como algo habitual, algo que, al final, no tenía incidencia”. Quizá por eso Vegas pide pasar a la acción, “matar vampiros” y prender fuego a esa ciudad.

Si hay algo que define la música es su universalidad desde lo local. Por eso, una canción que reclama el renacimiento de Gijón, gobernada por el partido derechista Foro, fundado por el ex ministro de AznarFrancisco Álvarez-Cascos, incluye también una introducción en euskera en la versión incluida en su último álbum. Y el videoclip oficial no está dedicado a Gijón, ni siquiera a Asturias, sino a México.

La grabación pide justicia por los estudiantes desaparecidos el pasado 26 de septiembre en Iguala. Con la colaboración de Nacho Vegas y con imágenes grabadas en el país azteca, pero también en Argentina, Chile, Uruguay, Chile y España, el vídeo reivindica un cambio, esta vez estatal. Con el mismo fin: reparar la tristeza.

16 camisetas de música que han hecho historia

Años 50: cualquier bandera de rebeldía que la juventud pudiera ondear, cualquier símbolo que pudiera colgarse como medalla, era bienvenido. Así, las camisetas con estampados que representaban a sus grupos de música favoritos se convirtieron en “vehículo de distinción, soporte de comunicación de masas y elemento fundamental de la cultura urbana” (TShirt Stories).

Más de 60 años después, seguimos conservando la misma costumbre, aunque quizá ya no tanto como acto de desobedencia, sino como simple tendencia, no hay más que fijarse en que las It-girls (iconos de moda) las sacan a la calle cada vez con más frecuencia. Marcas como BershkaH&M o Pull and Beardemocratizan hoy prendas hasta ahora minoritarias. Ya no hay que buscar aquellas tiendas que van desapareciendo en las ciudades llenas de vinilos, discos, pósters y camisetas; pocas, pero selectas. Hoy internet nos encuentra cualquiera que busquemos. Ahí va una lista de las 16 de ellas que han hecho historia.

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The Misfits. El grupo que se ha caraterizado por componer canciones para películas de terror llevó el espíritu al logo del grupo. Una calavera que podemos ver en la película antigua The Crimson Ghost y que ha sido imagen de esta banda de horror punk desde sus inicios. Y de ahí, a las camisetas. Podemos ver con una de ellas a Corey Taylor, cantante del grupo Slipknot, en uno de sus conciertos.

Guns N’ Roses. La banda estadounidense de hard rock, a pesar de los continuos cambios en los integrantes del grupo, ha permanecido viva desde 1985, o sea, más de 25 años. Y todo este tiempo, sus camisetas no han parado de venderse. Curiosamente, es famosa entre el público femenino. Aquí vemos a la cantante británica de pop Rochelle Wiseman en una de sus candid photos.

The Who. Si en algún logo podemos comprobar ese espíritu de juventud y rebeldía que se vivía en la época es en el de los Who. Colores alegres (blanco, rojo y azulete) en un diseño minimal que funcionó de forma perfecta para todo tipo de merchandising, donde las camisetas jugaron un papel clave para definir la imagen del grupo.

Motörhead. Joe Petagno es el culpable de haber diseñado el genial logo de Motörhead, pero también de otros grupos como Pink FloydLed ZeppelinNazarethRoy HarperMardukNightshade, y Illdisposed. Snaggletooth (en ocasiones llamado War-Pig), con sus cuernos, cadenas, y pinchos fue creado con la intención de ser sólo la imagen de su primer álbum pero se mantiene hasta hoy. La chica de la foto es la actriz y cantante Hilary Duff.

Ramones. Es el resultado de insertar en el sello del presidente de los Estados Unidos los nombres del grupo Ramones: Joey, Johnny, Tommy y Dee Dee. El logo de la banda fue creado por el artista Arturo Vega,un amigo de Joey y Dee Dee que les ofreció alojarse en su piso. Vega produjo las camisetas de la banda, por cierto su mayor fuente de ingresos, basando la mayor parte de las imágenes en una fotografía en blanco y negro que había sacado de su cinturón con la hebilla del águila calva, y que aparecía en la contraportada del primer álbum de la banda.

El gran sello del presidente de los Estados Unidos sería perfecto para los Ramones, con el águila sosteniendo las flechas, para simbolizar la fuerza y la agresividad que se usa contra cualquiera que se atreva a atacarnos, y una rama de olivo, que se ofrece a aquellos que quieren ser amigos. Pero decidimos cambiar un poquito. En lugar de la rama de olivo, teníamos una rama de manzano, ya que los Ramones eran tan americanos como el pastel de manzana. Y como Johnny era un fanático del béisbol, pusimos al águila con un bate en lugar de las flechas. [Ramones: An American Band. St. Martin’s Press]

En la imagen: Hayley Williams, cantante del grupo Paramore, en una de sus actuaciones.

Sex Pistols. A pesar de que la banda se ha disuelto y ha regresado en numerosas ocasiones, se puede decir con seguridad que sus fans jamás colgaron sus camisetas en el armario. Sex Pistols no fue solo una banda de música, supusieron el nacimiento del punk y todo lo que aquello conllevaba: una generación de jóvenes que buscaban rebelarse buscando un símbolo con el que sentirse identificados. Y aparecieron ellos con su God Save the Queen, presentándose como la banda más honesta que había existido en años. El trabajo de diseño gráfico de Jamie Reid para la banda se considera uno de los más importantes de los años 70 y aún tiene impacto en el siglo XXI. A los veintiún años, Sid Vicious ya era un «icono para vender camisetas». En la imagen, el actor inglés Rupert Grint (más conocido como Ron Weasley, de Harry Potter), quien se considera fan incondicional del grupo y lleva sus camisetas a muchos de sus actos públicos, entre ellos, presentaciones de sus películas.

The Clash. Colegas de las bandas Sex Pistols y Ramones, compartiendo época y público, presentaron en cambio un idealismo en sus letras que no se encontraba en los demás grupos. Protestó contra la monarquía, pero no proclamaba la anarquía. London Calling es considerado uno de los mejores discos de la historia de la música, sirviendo de inspiración a músicos actuales. Y de imagen de portada, a dibujo de camisetas. En la imagen, Joe Strummer, co-fundador, compositor, cantante y guitarrista de la banda.

Rolling Stones. Existe el error de creer que la reconocida lengua de los Rolling Stones fue creada por el artista pop Andy Warhol. Pero fue el artista gráfico británico John Pasche quien la diseñó en 1971 y es considerado uno de los mejores logos de la historia de la música. El propio diseñador admitió que cuando se encontró con el lider de los Rolling lo primero que le llamó la atención fue el tamaño de su lengua y de sus labios. Y de ahí, a imagen del grupo. En la imagen, el rapero Kid Cudi en una fiesta.

Red Hot Chili Peppers. El famoso logo de los Red Hot Chili Peppers estuvo envuelto en una fuerte disputa legal en Estados Unidos. Dicen que una compañía de indumentaria de Florida imprimió el símbolo en una campera sin la autorización de la banda. Sea como fuere, el logo es conocido en todo el mundo y ha sido estampado en camisetas, tazas, discos, libros y demás elementos de merchandising que ha supuesto a la banda un mayor reconocimiento.

Iron Maiden. Uno de los grupos más representativos de la nueva ola del heavy metal británico que ha seguido la estela de otros anteriores y ha continuado con la imagen de terror en su imagen, tanto musical como visualmente. Sus camisetas se ven no solo en sus fans, sino como icono de moda, incluso para aquellos que no se consideran seguidores de la banda. En la imagen, Taylor Momsen, más conocida como Jenny Humphrey en Gossip Girl, pero que se lanzó a los escenarios poco después con The Pretty Reckless, banda de hard rock.

Metallica. En la imagen podemos ver a James Hetfield, encargado de las voces y de las guitarras de Metallica. Pero es que además fue quien diseño el propio logo del grupo. Llaveros, carteras, pins, chapas, mochilas, cadenas, … seguramente no pudo imaginar al dibujarlo por primera vez lo que supondría después.

AC/DC. La historia de su nombre, y por tanto de su logo, es tan surrealista como cierta. Angus y Malcolm Young, hermanos y fundadores del grupo, se sentaron un día a pensar el nombre de la banda. Y sentados, vieron “AC/DC” escrito en la parte de abajo de la máquina de coser de su hermana Margaret. AC/DC es la abreviación, en inglés, de “corriente alterna/corriente continua (alternating current/direct current). Los hermanos  sintieron que ese nombre simbolizaba la energía y la potencia de las presentaciones de la banda. En la imagen, la cantante Demi Lovato, quien protagonizó la película Camp Rock para Disney Channel.

Nirvana. Con esa tipografía que hace al logo inconfundible, bastó para ser impreso en millones de camisetas. La Smiley Face (cara sonriente) que suele acompañar como imagen de grupo, dicen que fue obra de Kurt  Cobain. En su libro-memorias se muestra la mente del músico a través de sus dibujos, donde se encuentra una parodia de la cara que utiliza la cadena de supermercados Wal-Mart, una cara feliz de color amarillo que Kurt la convirtió en heroinómana (temblante y con la lengua fuera). En la imagen, la cantante y actriz Ashley Tisdale.

Black Sabbath. Cuando la camiseta no porta un logo, sino simplemente la fotografía de los integrantes del grupo, más que merchandising se puede considerar como un verdadero homenaje. Por eso, es fácil que en lugar de famosas a la moda la podamos ver en otros integrantes de otros grupos de música. En la fotografía, el grupo Arctic Monkeys, donde se puede ver a Jamie Cook con la camiseta de Black Sabbath.

The Doors. “Me gusta cualquier reacción que pueda causar con mi música. Simplemente cualquier cosa que deje a la gente pensando. Creo que si puedes lograr que una habitación entera llena de borrachos realmente se despierte y piense, estás haciendo algo“. Este era el espíritu de la banda. Y vaya que si logró despertar a la gente. The Doors fueron considerados como una de las bandas más innovadoras y poderosas en la historia del rock.

Y, para terminar, Bad Religion. El logotipo de Bad Religion ha sido llamado por los fans como Crossbuster. Cuenta con una cruz de color negro con una señal de prohibición de color rojo sobre ella (ver logo). Cuando se le preguntó al bajista Jay Bentley afirmó que el símbolo solo tenía la intención de “Joder a nuestros padres” y que era “Algo fácil de poner en nuestras camisetas y también para los niños y adolescentes al pintar con aerosol en las paredes”. También advirtió que cuando la gente le preguntaba qué significa, contestaba: “ Lo que tú pienses que significa”. Brian Baker, quien se unió a la banda más adelante en su carrera lo resumió así: “ El nombre de Bad Religion y el logotipo de Crossbuster se inicio en la mente de dos jóvenes de 15 años que estaban tratando de encontrar el nombre más ofensivo. No se trata de personas que pensaban que en veinte años estarían haciendo entrevistas “.

El Crossbuster causó polémicas en Rusia cuando un grupo religioso vio en una tienda de Moscú algunos posters de Bad Religion. Quizás por la polémica, la camiseta más conocida de Bad Religion no porta la Crossbuster como logo, sino un cassete antiguo como el que se ve en la fotografía.