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Pablo Seijas, cantante y compositor de Misterioso Viaje a Holanda, emprende proyecto en solitario con su nuevo disco Para Brillar. El disco todavía no ha visto  la luz, pero Pablo nos dedica en exclusiva y en acústico un nuevo tema de su inminente disco desde los estudios Audiomatic en Madrid.

Tras un par de años rodando con tu grupo Misterioso Viaje a Holanda, compartiendo escenario con grupos como Nouvellle Cuisine, Niño y Pistola en escenarios como el Sonorama o presentando el disco en los conciertos de  Radio 3, ¿cómo surge la idea de abrir un camino en paralelo?
La idea surgió durante la grabación del primer disco de MVH. Además, durante la gira de presentación fui escribiendo canciones que en principio íbamos a probar con el grupo, pero pronto vi que tenían un aura distinta, más personal, menos “de banda”, todas de corte melódico y con tendencia a lo introspectivo y a lo personal. Hace aproximadamente un año se me ocurrió grabarlas poco a poco, en casa, para darles una oportunidad y que la gente las  conociera. Me apetecía grabar algo tocando yo todo.

Y el proyecto creció.
Sí, aquella fue la primera idea, pero el proyecto fue creciendo y el resultado cada vez era mejor, así que decidí invertir un poco más en el trabajo y contar con colaboraciones en los arreglos. Cuando escribes canciones para un proyecto con el que ya has lanzado un primer disco, necesitas ir orientando lo que creas hacia un estilo más concreto, y yo tenía muchas canciones que me pareció que pertenecían a otra cosa muy diferente a MVH. Este proyecto paralelo mío ha ayudado también a que MVH ahora sea una banda mucho más coherente y definida y eso se notará en el segundo disco del grupo que estamos ya preparando.

Este proyecto paralelo mío ha ayudado también a que MVH ahora sea una banda mucho más coherente y definida

Entonces no ha sido un disco compuesto de golpe ni con intención de publicarlo, has ido por lo que cuentas poco a poco…
Algunas canciones tienen varios años ya, otras son más recientes. Son canciones de búsqueda interior, de amor, protesta y de pérdida. Todas ellas están rodeadas de un halo de sensibilidad muy personal, muy conectado con lo que han sido los últimos años de mi vida en el plano sentimental. A veces noto que me estoy haciendo mayor (risas)… Pero lo que  quería hacer, y creo que he conseguido, es el disco que a mí me gustaría escuchar por ahí, el disco que yo compraría. Para mí, ha sido como una liberación, una “terapia” gracias a la cual puse en orden mi pasado, mi presente y senté los cimientos de lo que podría ser mi futuro. Todo proceso artístico está íntimamente ligado a la vida personal del que crea, y quise que todo el disco estuviera impregnado de ello. Una palabra que lo definiría es “sinceridad”. Son canciones que salen del alma, sin tapujos y sin pensar mucho en las  reacciones de quien pueda escucharlo, ni en su éxito comercial. Eso me gusta, porque creo que cuando alguien se abre y hace algo sincero, triunfe o no, la gente lo respira.

Son canciones que salen del alma, sin tapujos y sin pensar mucho en las  reacciones de quien pueda escucharlo, ni en su éxito comercial

Has contado con ayuda en la edición del disco, ¿ podrías contarnos quién te echo una mano?
La grabación se fue completando poco a poco, mi hermano Adrián (batería de MVH) grabó las baterías, y yo fui construyendo los temas en torno a ellas. Grabé los bajos, los pianos, las guitarras, las voces… aunque conté con más colaboraciones puntuales que enriquecieron mucho el resultado. Ahora estoy terminando la mezcla, con JM Rosillo, un productor que me encanta y con el que hemos mezclado también el primer disco de MVH, “Nunca Taxi”.

¿Qué caracteriza a este primer proyecto en solitario? ¿Cómo lo definirías?
Si tuviera que escribir palabras que conceptualizaran el contenido del disco diría “libertad”, “sensibilidad”, “melodía”, “letra”, “intimidad”. Es un álbum personal, sincero, épico a veces, rabioso por momentos… en definitiva, un trozo de mí. Lo he llamado “Para brillar” porque, además de ser el título de una canción, creo que condensa lo que contiene, mis últimos años de vida, con sus decepciones, pérdidas, pero también con sus esperanzas.

¿Puedes poner un ejemplo?
“Crisistunidad”. Es una canción escrita a una mujer que no conozco aún, que no ha llegado, y le pido que aparezca en mi vida, como si fuera ya “algo de mí”. Dicen en Los Simpson que en China se usa la misma palabra para decir “crisis” que para decir “oportunidad”… ese es el tono que se respira en buena parte del disco. Y naciendo de la sinceridad, espero que a la gente le llegue de la misma manera.

Ganadores del premio Pritzker en el año 2010, Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa se alzan hoy en día como unos de los arquitectos más admirados. Edificios sin límites, sin contornos, sin espacios. Auténticas atmósferas de cristal.

La arquitectura muchas veces se define como un conjunto de volúmenes que conforman un espacio bajo el cual la luz penetra, resbala, juega y en el que el hombre es el eje principal. Pues bien, el siguiente equipo de arquitectos, formado por Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa, seguramente no estaría de acuerdo. Debe tenerse en cuenta que se trata de una pareja japonesa y que la cultura oriental está, aunque aquí no esté citado explícitamente ni ellos mismos lo digan, detrás de su pensamiento. Ideas como la transparencia, el no tener que ocultar nada o el exagerado minimalismo están presentes a lo largo de toda su carrera, como se verá más adelante.

SANAA, como se llama el estudio de arquitectura que vamos a intentar acercarnos, no crea espacios, como se ha apuntado en la definición de arriba, sino atmósferas. Normalmente, el espacio es algo delimitado, completamente definido y en el cual uno se siente apartado de la realidad exterior, aunque puede haber una relación visual. En las atmósferas de SANAA, por el contrario, uno no sabe muy bien dónde están los límites de sus edificios. Los límites se difuminan, los cristales desaparecen, los muros se nos presentan como simples hojas de papel. Tratan a los edificios desde casi lo abstracto.

A continuación, una fotografía, un esquema estructural y el detalle de fachada del Nuevo Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York, obra de esta pareja.

Pero, ¿realmente cómo se proyecta un edificio así?
La famosa frase de Mies que define la corriente de la arquitectura moderna “menos es más” debería ser completada y entonces adquiriría un sentido pleno en este texto: menos es más complicado. En los edificios de SANAA, dónde no hay nada (cuidado, solo aparentemente), hay un trabajo de construcción y dedicación muy especial. La preocupación por esconder los marcos de las ventanas y puertas, de controlar el despiece del cristal, de cómo el cristal continúa por toda la fachada sin interrumpirse entre los distintos pisos, etc. Éste tipo de detalles, llamados por los arquitectos los puntos singulares de un edificio, son los que hacen tan grandes a los edificios de SANAA.

A algunos erróneamente les parece una arquitectura repetitiva y copiosa. Lo único que se repite constantemente en los edificios de Sejima y Nishizawa es la idea de atmósfera. Algunos materiales como el cristal o el color blanco son muy empleados debido a que ayudan a alcanzar la abstracción formal que buscan, pero en ningún caso se trata de una simple copia de un edificio ya existente. Se trata, por decirlo de alguna forma, de la misma filosofía de vida.

Buenos ejemplos de todo lo expuesto son el pabellón de vidrio en el Museo de Arte moderno en Toledo, Ohio; la tienda para Dior en Tokio, Japón; o el Centro de Aprendizaje Rolex en Écublens, Suiza. En estos edificios se ve mucho de esa preocupación por la atmósfera.

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Museo de Arte moderno en Toledo, Ohio
Este primer edificio, concebido como una zona para exposiciones, talleres, y algunas oficinas representa claramente lo que SANAA tiene como premisa fundamental: la atmósfera como concepto más amplio que espacio. Los reflejos, la amplitud que se consigue con el cristal, los encuentros de las cristaleras con el techo y el suelo, los espacios impracticables que quedan entre los distintos cristales… todo esto ayuda a crear esas sensaciones en nosotros, en nuestra mente, que es agradablemente engañada por estos magníficos arquitectos.

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La tienda para Dior en Tokio, Japón
En este segundo caso la sensación de atmósfera no la percibe tanto el que vive el edificio desde dentro sino para el viandante que circula por la ciudad – hay una jerarquización de ideas, considerando casi más importante la apariencia exterior. Se ve como la volumetría se adapta a las calles y formas de la ciudad. También juegan un papel importante las distintas alturas entre los distintos pisos, que quedan subrayadas por la ausencia de luz en la noche, ya que, al parecer aleatorias, tienen un lazo muy estrecho con la “caótica” ciudad circundante. A pesar de esa relación hay otro juego visual más, una bonita contradicción: de día, cuando el Sol ilumina el mundo y nos permite distinguir formas, colores, etc, el edificio se difumina; mientras que, en la noche, cuando todo se confunde más, el edificio se remarca con una iluminación extremadamente cuidada. Estamos, sin duda alguna, ante un maravilloso juego de pensamiento y construcción de SANAA.

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Centro de Aprendizaje Rolex en Écublens, Suiza
Este último ejemplo está situado en un campus universitario de Suiza y en él se mucho de ese pensamiento de Sejima y Nishizawa. Sus formas alabeadas, los reflejos de los cristales, el blanco puro de sus techos… nos trasladan a un mundo que se desarrolla por encima de nosotros, en las nubes. Este edificio tiene la particularidad de que puede ser vivido de tres formas distintas: desde dentro, desde fuera o desde abajo. Desde cada punto de vista tendremos sensaciones y perspectivas muy diferentes pero la idea de forma y fondo, tierra y cielo, hombre y arquitectura, es la misma.

Los romanos son conocidos por ser los más expertos en la historia sobre la construcción de grandes monumentos y edificios. Sus avances en los sistemas de arcos, bóvedas y la famosa cúpula del Panteón son sus grandes hitos. ¿Pero qué esconde su arquitectura? ¿Qué hay detrás de toda esa piedra?

Después de la arquitectura escultórica de los griegos, labrada en el más puro mármol blanco, nos adentramos en el primer período histórico donde la construcción se pone al día -hecho que relega a las columnas y arquitrabes griegos a meros relieves en muchos casos- y va acorde a la arquitectura que conforma: la arquitectura de la antigua roma.

Los secretos más íntimos que guardaban casi todas las proporciones naturales ya habían sido descubiertas, así que los romanos dieron un paso: intentaron hacerla mejor y más grande. Y al hacerla más grande y, sobre todo, para que la gente esté en ella, se dieron cuenta de la capacidad espacial que escondían sus edificios.

Sección y grabado del espacio interior del Panteón de Roma.

El Panteón de Agripa, el Coliseo romano y la basílica Ulpia en el foro de Trajano son los mejores ejemplos para entender esta cuestión.

La arquitectura romana -en términos espaciales- difiere con la griega en prácticamente todo: el programa de los edificios es completamente distinto, su escala también es diferente, las técnicas constructivas, su conciencia escenográfica, su capacidad de invención, etc. Se abren así nuevos e inmensos horizontes arquitectónicos conquistados al precio de la renuncia a la pureza helénica.

El programa de la Arquitectura griega -y la pongo en mayúsculas porque es de la arquitectura en mayúsculas de la que estamos hablando- se relegaba a templos, monumentos a los dioses y a teatros, cosa que no ocurre en la antigua capital del Imperio. Allí la Arquitectura se contagia a los circos, los foros, los palacios, las termas, los acueductos -si los consideramos arquitectura como tal-, etc. Pero aquí viene la diferencia más importante: debido a ese cambio de programa los romanos dan uno de los mayores pasos que se ha hecho en la historia de la arquitectura, que es traspasar las columnatas y grandes muros para vivirla desde dentro.

Esto provoca que las columnatas que los griegos disponían alrededor de sus templos para sujetar la cubierta ahora se lleven al interior para poder abarcar grandes luces -distancia que existe entre dos puntos de apoyo- y así crear los monumentales espacios. Asimismo, como las columnatas y toda la potencia que traen consigo se van, como hemos dicho, dentro del edificio, todo su esmero se centrará en la decoración y potenciación de esos ambientes.

Izquierda: Partenón de Atenas. Derecha: Basílica Ulpia en Roma.

De esta forma se crea el espacio romano: uno de los primeros en la cultura occidental creado desde la Arquitectura y pensando en ella desde el momento en que se proyecta el edificio. Sin embargo, ¿cómo era ese espacio?

Una de las características principales era la escala monumental, como se ve en esta recreación del exterior de la basílica Ulpia en Roma.

Además, el espacio romano es un espacio estático. ¿Por qué?

Como vemos en las siguientes plantas de el Coliseo, el Panteón y la basílica Ulpia, son elementos completamente simétricos -muchas de las veces en doble eje. Esto provoca que el ojo humano tenga infinitas vías de recorrerlo, infinitos movimientos posibles, o lo que es lo mismo, ninguno. No hay una dirección marcada, no hay un camino preestablecido por el arquitecto.

Quizá estéis pensando que esto no pasa en la basílica Ulpia debido a que uno de sus lados es el doble de largo que el otro pero si nos paramos un momento y nos fijamos, nos daremos cuenta de que ese recorrido no conduce a ningún sitio. Y aunque consideráramos a ese antiguo ábside como un punto de llegada, el mero de hecho de poner uno en cada lado opuesto le quita toda la potencia dinámica de la construcción.

Se trata pues de una arquitectura satisfecha en sí misma e independiente del observador, es uno de esos lugares en los que uno no se siente como en su casa.

Al igual que hace Bruno Zevi en su capítulo de Las diversas edades del espacio de su libro ya mencionado en esta serie de artículos Saber ver la arquitectura, es conveniente recalcar que este aire romántico que tienen muchos de los edificios de la antigua Roma en la actualidad se debe básicamente a que la gran mayoría son ruinas. Los fragmentos caídos, las paredes desnudas, la vegetación tomando los edificios… son motivos como decimos románticos pero no de aquella arquitectura de antaño.

La arquitectura romana expresa una afirmación de autoridad, un símbolo inequívoco del poder del imperio sobre la multitud de ciudadanos. La escala de dichos edificios, en consecuencia, es la escala de esta realidad, no es ni pretende ser la escala del hombre.